さまざまなデザイン の記事

Date:17/4/9

常々思うのですが、何事もドレスアップよりもドレスダウンこそが難しいです。ドレスアップは、ある意味、ルールに従うことで実践可能です。が、ドレスダウンはルールを自ら破って頭を働かさないといけません。それなりの勇気も必要なことがあるし、それこそ方向を決めることがより重要になります。フオーリサローネを眺めていて、この数年、本当にドレスアップが主流になりました。「売る」ことを強く意識しているのでしょうね。そういうなかにあってIKEAが「売る」ことを意識しながらチープな舞台設定を行ったのは、ドレスダウンの強調ではないか、と思いました。この数年間、IKEAは単なる売り場的な発想が目につく展示を重ねてきましたが、今年はかなり主張をはっきりと「IKEA FESTIVAL」という名称で表明しています。

あまりに高い商品を買うのはカッコよくない、との空気がありますが、それをドレスダウンによって表現しているのがIKEAということになります。これは一つ、批判的アイロニーとも呼べます。かつてランブラーテは、廃棄材などを活用してドレスダウンの極め付けのような場でした。しかしながら、最近、ややドレスアップ傾向になっています。そこにIKEAという大企業が、かつての「ランブラーテ・スピリット」(あるいは、フオーリサローネ・スピリット)を再現しようとした、との読みができます。2015年のEXPOではストリートフードがテーマとも呼ぶべきほどにアピールされましたが、このトレンドとIKEAの「原点回帰」的な方向付けは同一線上にあると考えて良いでしょう。

イタリアの若い世代も、以前であれば住居を「買う」と発想していたのが、「借りる」との流れにあります。経済的背景だけでなくノマド的な生活スタイルの浸透があり、それが「インテリア家具にお金をかけすぎるのはスマートではない」との考えをひっぱりだします。それで気の利いた起業家やデザイナーは、移動生活にマッチするモノがまだ充実していない現状をみたうえでの商品開発に力を入れます。即ち、リビングルーム→寝室→キッチン→バスルーム→ベランダなどのアウトドア との流れで発想やスタイルが影響してきた次にあるのが、「脱プライベート空間」となったわけです。そこにはスマートデバイスを使いこなす空間があるわけですが、ただ、これをもって境界のない世界へ足を踏み入れた、と楽観的に解釈するのは安易すぎます。オランダのユトレヒト芸術大学の学生たちが提案している内容は、ボーダレスな情報空間へのNOを示しています。街角のあらゆる場に監視カメラがおかれプライバシーを喪失している。ビッグデータはいったい誰のものなのか?との問いを発しています。自分の顔や表情をどう守るか?に対してマスクコートというアイデアを出していて、デジタルネイティブ世代の危惧がよくうかがえます。

さまざまな顔の表情を描いたスカーフを提案している、Sanne Weekersのサイトから引用します。

These products protect your emotions, opinions, data and thoughts. For example, by using a scarf that has multiple faces in which you can keep your anonymity.

彼女のプロフィールをみると、このテーマが実に(Userではない)Humanな発想から出ていることが分かります。

The project I am currently working on is all about emotion and transformation. My personal life rapidly moves from one emotion to the other, sometimes I don’t even know how, why or even when these changes happen. I am trying to make this connection between time and emotion more explicit. I’ll soon elaborate on this.

Category: さまざまなデザイン | Author 安西 洋之  | 
Date:16/5/28

ミラノサローネ2016をおよそ1か月半にわたって書き、久しぶりにこのテーマを集中的に考えることになりました。その結果、頭を働かせるだけでなく、実際に人に多く会い話をすることが多かったです。ミラノ工科大学のビジネススクールの先生であるロベルト・ベルガンティが8年前に書いた。「デザイン・ドリブン・イノベーション」を読む機会も得て、さらに頭と身体の動きが後押しされる羽目にも 笑。いや、この本、最高に面白かったです。

実は、この本、もっといえば「デザイン・ドリブン・イノベーション」という名前をぼくは避けていたのです、長い間。立命館大学経営学部デザインマネージメントラボのチームが日本語に訳して出版したのが、オリジナル本がハーバードビジネススクール出版から出た4年後、2012年ですが、確かその頃から、この名前を日本で耳にするようになったのでしょう。でも、ぼくは「何それ?」と読み気にもなれませんでした。だってですよ、ミラノの周辺のデザインを今更語るか?アルテミデとかアレッシとか、もう枯れたブランドじゃない、と。いや、ビジネスのブランドとしてはいまだに十分に立派ですが、ミラノデザインを語る際に、このブランドはもうないだろう、と。およそミラノからブリアンツァにかけての地域にミラノデザインを生むエコシステムがあったみたいな話は聞き飽きているわけです。

 

で、デザイン・ドリブン・イノベーションですよ。流行りのデザインとイノベーションの2つのバズワードが入っているのが、もう嫌で嫌で。いやらしい。そして経営学の教授がハーバード・ビジネス・レビューに書いたものだ、と。もう、これだけでツマラナイと語っているみたいなものじゃない、と(関係者のみなさん、失礼!)。まあ先入観のかたまりみたいな頭で、この本を手にとるなんて一生ないだろうと思っていたわけです(大げさにいえば)。確か、その頃、日本のある先生に、「ベルガンティを知っていたら、紹介してくれますか?」と聞かれたのです。ベルガンティを知らなかったぼくは、彼の略歴を検索でみて、「ああ、MBAの先生か。この人とのコネをわざわざ探さなくてもいいだろう」と判断し、日本の先生には「直接存じ上げないので、お役に立てそうもありません」と断ったのです。

さて、今年の4月のある日、ぼくの中小企業の本を読んだ日本の経営学の先生からメールをいただき、その方の論文も添えてありました。「イタリア+中小企業+産業集積+ブランド」の組み合わせが日本の経営学の範囲であろうと想像していたのですが、論文にはイタリアのデザインの考え方が記されていたのです。美術史や思想史に触れていて、それは驚きました。経営学はこのあたりまで手を伸ばしているのだ、と大いに感心しました。その感想をそのまま書いて返事をしたら、他の方を紹介いただくことになり、(詳細は省くとして)結果的にあの遠ざけていた「デザイン・ドリブン・イノベーション」を手にするに至ります。さっそく、最初の数ページを読んで、すぐさまぼくは自分が過ちをおかしていたことに気がつかされました。イタリアデザインには読ませるコンテンツがまだこんなにもあったのだ、と自らの無知と曇っていた目を恥じました。

曰く、「急進的なイノベーションとは、モノがもつ意味の転換であり、テクノロジーだけのイノベーションには限界がある」「ユーザー中心のデザインは緩やかな商品改良には貢献するが、長期的な資産を生む急進的なイノベーションには役立たない」「オープンイノベーションは誰でもアクセスできるのだから、誰でも模倣できる」「意味の転換を見極めるのは、ユーザーにクローズアップするのではなく、文化的にクローズドなコミュニティ(解釈者たちのネットワーク)で語られる内容を吟味して見極め、ユーザーをズームアウトして眺める必要がある」・・・・といったことが(ぼくの解釈も加えると)書き連ねてあるわけです。ぼくは、いわゆるソーシャルライフで得られる情報や見方を自分のなかで統合するのが肝心で、それが次の戦略を決めるヒントがあると考えてきました。例えば、アートギャラリーのオープニングでのアーティストやキュレーターとの雑談が、文化人類学者や企業家との会話と方向として一致することが、大きな指針になったりするわけです。ぼくはミラノサローネを「デザインディスコース」としてみる実践をしてきたので、もう、本に書いてあることに頷きまくる展開になったのです。

ちょっとエラソーに言えば、説明が曖昧な部分に嘘ではないけどリスキーな要素は多いとか、ソーシャルメディア時代のデザインディスコースは2008年には語りきれなかったはずだが、もう少しネット時代の解釈たちを予見しても良かったのではないかとか、批判的に言おうとすれば言えることがないわけじゃないですが、まっ、そんなの読者がその先を考えればいいことだ、と思えるのですよ。その裏付けに言うなら、いわゆる教養人や感度の良い人の集まりが、文化コンテクストを読み商品コンセプトをつくるにとてつもなく大切ってのは、この本には書いていないデザインマネージメント研究の動向が示唆してくれるんです。米国のデザインマネージメント研究のなかにはあまり出ていないようだけど、ヨーロッパのデザインマネージメントでは、デザイナーの役割だけじゃなく、アーティストの役割が大いに議論されています。これは、ベルガンティが投げかけたテーマの筋が良かったことを物語っているわけです。

ビジネスパーソンの教養は、日経新聞の文化欄やサラリーマンの週末の趣味の読書を指しているのじゃないというのが、この本を読めば痛切に分かるのです。ぼくは8年前に「ヨーロッパの目 日本の目」で、ヨーロッパに”まだある”ハイカルチャーの社会文脈の解釈は見逃せないと書きましたが、この8年間でもハイカルチャーの存在感は下降線を辿っています。それでもイタリアの小学校の歴史の教科書の冒頭に、「歴史を学ぶのは過去の散在したディテールから全体像を積み上げていく刑事のようなものだ」とあり、中学の美術史の教科書が「アートに表現されている象徴から時代を読み取る」と強調して説明されているのを読むと、ヨーロッパの人のコンテクストを読む態度がおよそ想像がつくのです。

いってみれば、ベルガンティが指す「解釈者」とそこにある「デザインディスコース」のいわば社会的根拠が見える。そして、本書には、十数人から何百人規模のイタリア企業が、社内2-3人と外部の「解釈者」たちのネットワークで意味のイノベーションをおこした事例が沢山紹介されているのです。ヨーロッパで急進的なイノベーティブなビジネス展開を図りたい日本の中堅企業が知るべき内容がふんだんにありますよ。もちろん日本のなかのビジネス展開の参考にもなりますが、小さなチームと質の高い外部チームでヨーロッパでガツンとやるのも刺激的だし、なによりも長期的な利益の源泉を狙うに最適な道であると確信をもつに背中を押してくれます。特に、グローバルの統一ブランドやデザインからローカリゼーションを図る道筋が旧世代になり、ローカルな文化文脈が他のローカルに飛び火してローカライズし、そこにイノベーションを生む新世代には、大企業ではないサイズの企業が小さなチームをつくるのことで大企業にはないイノベーションをおこす可能性が大きいですからね。これが楽しみじゃなくてなんだろう・・・と思います。

 

 

 

Date:14/9/7

日本に何人の建築家がいるか正確に知りませんが、それなりの数の建築家がいると思います。あるソースでは一級建築士は30万台という数が参考に出ています。試験の合格者の総数がそのまま現在の数にならないから、正確な数字は把握しずらいのでしょう。そして街に出れば、あのビルもこのスタジアムも建築家が設計したと調べれば分かり、「さすがだね」とか「目立ちたいだけじゃないの」とか、それは褒められたりけなされたりするわけです。そして、そういう時に、「誰々の設計した家は住めたもんじゃないってさ。雨もりはするしさ、奥さんが言ってたらしいよ」という、どこで聞いたかも知らない噂ともつかぬ都市伝説が真実味を帯びて語られ、「やっぱりね」と同意したりするのです。

しかし、一級建築士という資格をもった建築家が、それなりに本気を出したオーダーメイドの家というのは、日本のふつうの人はあまり知らないはずです。レストランのような商業建築の内装あたりまでが自分自身も建築家の思想空間を味わえるケースでしょう。それほどに多くの住宅は大量生産メーカーの製品であったり、工務店の人が定番的な間取りで建てたものである、というところでしょう。いや、一級建築士じゃないと建築家じゃないとか言うつもりもないですが、およその目安として、建築事務所を構えて一本立ちしている(もちろん大学の先生やゼネコンの中にも建築家はいるわけですが)建築家が、その腕で、そのキャラで食っていっている。このレベルの個人邸のなかに入って、ある程度の時間を過ごすという経験をもっている人は少ないんじゃないか、と言いたいのです。

建築雑誌をみればそういう「作品」がたくさん紹介されていますが、まったく生活臭さのない空間の写真と日常語とはかけ離れている難解な表現で説明されていて、生活する場として想像をするのは極めて難しいです。だいたい、「作品」はまだ使用歴が乏しく、生活者の声が全然わかりません。だから中村好文さんの「建築家のすまいぶり」は大層面白く読めました。使用歴のある家を訪ね、しかもそこで場合によっては料理を一緒に食べ、泊まったりするのですから、えらくリアル感があります。深く入り込んだうえの感想を読むと、「作品」の説得性があがります。

さて、それでは設計者の本人ではなく、その奥さんや娘さんに旦那さんやお父さんの「作品」について語ってもらったらどうか?というのが、田中元子さんの本です。36邸が紹介されています。でも、これを読んで思いました。娘であったり、息子の嫁の愛を感じる言葉にしんみりするんだ、と。奥さんの言葉は、それはそれで夫婦愛として良いのですが、既に設計者本人の気持ちを汲んでいるので、もう少し違ったアングルの言葉を聞きたいなあ、という気持ちを読者におこさせます。それが娘だったり、もっといいのは息子の嫁の言葉なんです。また設計者本人が既に他界しながら愛着をもって住んでいたりすると、「作品」の重みがずっしりときます。設計思想が時と共に生き継がれていく幸せを存分に感じられるのですね。

この本を読んでいてもう一つ思ったのは、首都圏に住む建築家が自邸をたてる場合、親の庭に木々のある土地があり、それをどう生かしながら二世帯住宅を設計するか、というのが1つのテーマであり、2つ目はものすごく小さい敷地に如何に開放的なスペースをつくるか、ということなんですね。いずれにせよ、多いパターンは、家族が何処からでも視線をお互いに交わせる空間構成をすることです。ぼくの実際に知っている建築家の「作品」たちもやはりそのようになっているのですが、これはあるブームで一定の時期が経過すると廃れていく傾向なのかどうかっていうのは、かなり気になるところです。オープンというコンセプトの行く末は、こういうフィールドでもよく見ていきたいなあ、と思いました。大きな社会のオープンだけでなく、ということです。

ところで、「建築家が建てた夫と息子のしあわせな家」というタイトルの本はいつ出るんでしょう?

Category: さまざまなデザイン | Author 安西 洋之  | 
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