Date:16/5/13

サローネが終わってそろそろ1カ月が経ちます。毎年、「いったい、あの狂騒は何だったのだろうね」という声も聞きます。「お祭りとしか言いようがない」と苦々しく語る人もいます。今年のサローネ会場は37万人の入場者があったというので、市内のフオーリだけをみた人も含めると、ざっくりいって動員数は50万人は超えるのでしょうね。まったくの想像ですが。それほどの「狂騒」を演じているなら、相応にイタリアのクリエイティブ産業に貢献しているのか?といえば、ミラノのその世界の人にそこまでの実感はない・・・という印象をもちます。何かうまく機能していないのでしょうか?

ミラノサローネ2016の(1)で、「イタリアデザインを世界のデザイントレンドのなかでどう再び位置付けていくのが良いのか?」を考えたいと書きましたが、いろいろとこのテーマについて意見があるイタリアの人と話していて、一つのことに気がつきました。「グローバルな時代で地域の名前を冠したデザインなどあまり意味がない。個々の才能の話だ」と語る一方で、同じ人間が「デンマークのデザインって言っても、大したものがあるわけじゃない。デザインシンキングの発祥地のシリコンバレーには何があるのだ?あれはアメリカの産物じゃないか」と批評するのです。外国にもよく足を運び、コスモポリタンの考え方や生き方を選択していると思っている人は、ローカルに拘る表現に拒否反応のように「イタリアデザインという言い方は過去の遺物である」と言いがちではないかと思うのですね。しかも、その当人は、タイ政府のデザイン振興機関のディレクターにぼくが言われた「イタリアデザインは(北米や北欧のトレンドと比べて)遅れている」という見方に対して、「イタリアのデザイン事情を分かっていない」と反発したりするのです。これは1人に限ったことではなく、何人かと話した結果です。

だからぼくは、こう思ったのです。イタリアのデザインについて語ることをイタリアの人だけに任せておくと闇の中に入ってしまうと。当事者が語ることは大事だけど、当事者が語ったことだけで外部の人間が分かるか?といえば、そうはならない。また、外部の人間が取り上げると、とてもよい絵が描けたりもする。例えば、経営学の人がイタリアデザインをみると、ミラノのデザインの世界で生きている人には当たり前でつまらないことでも、とても参考になる。そういう風に「いじり倒す(笑)」に、イタリアのデザインはまだまだネタがあるし、参考にすべき知恵はやまほどあるということなんですね。イタリアデザインがステレオタイプに論じられるならば、その裏にあるものや、ステレオタイプの崩し方にヒントがあるし、イタリアデザインについて語ること自身が古いというなら、なぜそれが古いのか?という問いかけをするところから見えることがたくさんあるのです。

2008年に「ヨーロッパの目 日本の目」という本を書いたのは、ヨーロッパの人たちや企業とコラボレーションするための文化(=ロジック)理解の仕方を示すことでした。それまでヨーロッパの本といえば、アカデミックな本か生活奮闘記の本ばかりであり、ビジネスパーソンが知るヨーロッパ文化というカタチが見えていないと考えたのですね。それも学ぶためではなく、コラボレーションするための知恵です。それから8年を経て、イタリアデザインそのものを素材として使う発想があっていいんだなとの思うに至ったわけです。

かつて日本の企業にとってのイタリアデザインは、アイデアのネタでした。あるいはブランドをつくるための方便でした。対象は日本市場です。こういう目的のためにイタリアのデザイン事務所に日本の企業がアプローチし、日本のデザイン事務所の数倍の金額を払ってでも仕事を依頼したのです。その中には製品になったものもありますが、多くはレンダリングかモデルあたりで「はい、ありがとうございました。あとは我々の社内でやります」と言い、ちょっとしたディテールだけを活用したデザインで終わる(=製品になる)、と言うのが一般的であったと思います。しかし、そういう時代は去った。ちょうどヨーロッパのブランド品にあまり夢を感じなくなった時期と重なるでしょう。もちろん、その種のプロジェクトがまったくなくなったわけではないですが、日本のデザイン事務所の数倍という金額での商売はなくなってきたということです。

今、ヨーロッパ/イタリアのデザイン事務所に日本の企業が求めるのは、日本国内をコア市場においた製品開発ではなく、ヨーロッパ市場で売れる製品をつくるパートナーという点でしょう。ぼくがこの2-3年感じているのは、2008年のリーマンショックで一斉に北米・欧州市場から新興国に目が向いた日本の企業が、じょよにヨーロッパに戻り始めてきたということです。一時は「文化的プライドが高く敷居が高い」とヨーロッパ市場を諦めていたのが、そこで勝負してこそ利益を生む仕組みが作れると考えを変え始めてきたのですね。レクサスはこういう勝負を繰り返しているブランドですが、最近の日経ビジネスにあった「日本発の高級腕時計 スイス勢へ逆襲の時」というセイコーホールディングスの記事も、この流れを示しています。そしてヨーロッパ市場への関心というか意欲は、こうした大企業の高級ブランド戦略にとどまらず、大企業でもない企業レベルにもあり、実際、ぼくにコンタクトしてくる方の話からもうかがえるし、雑誌の記事執筆依頼も、このテーマが増えてきたところからも傾向が分かります。ヨーロッパの成熟さと課題先進国であるのが、「挑戦するに意味がある」と思わせ、市場開拓に励めば学習する内容のレベルが高いと認識しはじめた、といった具合です。

・・・という感じのところでぼくが考えているのは、上記文脈でのヨーロッパ/イタリアデザイン活用法をもっと具体的なカタチにしていくことかなと、ビジネスとして。それから、自分なりのこうした解釈に基づいたイタリアデザインについて簡単な本を書いてみたいなあとも思っています。で、これまでと違うのは、本は英語で、という点です。ヨーロッパやイタリアのデザインの当事者たちにも読んでもらいたいと思うわけ。いや、経営側の人たちにも。じゃないと、さっき言ったように、闇が続くわけですよ、ずっと。で、これをやると日本の企業の考えていることも、ヨーロッパの人に理解してもらいやすくなり、それこそコラボレーションする際の参考書にならないかなって。まあ、まだ思い付きの段階なんで何とも言えないけど、ヨーロッパ人の誰かと共著がいいかな。

 

 

 

Date:16/4/20

デザインウィークの面白さの一つは、才能ある若い人たちに会えることでしょう。それも誰かに評価された才能の確認ではなく、何気なく偶然に出会う才能です。偶然といっても、あるゾーンがあります。サローネサテリテ、ランブラーテ、トルトーナの出会える確率は高いかしれないけど、ブレラ周辺は既に評価を受けている才能になります。もちろん既に評価を受けているか、まだ評価を受けていないかは、ぼくの知る範囲のことであり、何らかの近しい人の評価によって背中を押されている場合が多いのでしょう。若いという基準は、この場合、30代の半ばくらいまでですかね。サテリテの出展基準も35才までだし。

レクサスのデザインコンペで最終選考に残っていた作品は既にある程度評価されているとみてよいかもしれないですが、ぼくは審査中の作品からカナダ人のアンジェリン・ローラ・フェヌータさんが気になっていました。モジュール型のデザインで着る人の好みに対応するというプロトタイプの写真をみて、そのシルエットが柔らかいと思ったのですね。モジュール型というとプロダクトデザイナーの発想によるような気がするのに変だな?と。なぜぼくはそう思ったのでしょうか?

数年前、このブログでも「プロダクトデザイナーのデザインしたファッションはどうしてダサいのか?」というテーマについて書いたことがあります。カーデザインの巨匠のジュージャロでさえファッションデザインはあまりかっこよくないのです。ご本人が着ているファッションはかっこいいのですが。それで「プロダクトデザイナーの弱点克服講座」というワークショップをやってみたことがあります。プロダクトデザイナーは静止画でアイデアを作る。一方、ファッションデザイナーは動画によりシルエット。輪郭をきっちりと描くトレーニングを受けたプロダクトデザイナーは、流れるようなイメージができにくいようです。そこでファッションデザイナーに講師になってもらい、プロダクトデザイナーにモノの見方やシルエットのつくり方を教えてもらったら、プロダクトデザイナーもコツがわかった様子。

そういうわけでフェヌータさんというロンドンのセントラル・マーチンズでファッションを学んでいる学生が、どう輪郭の陥穽に落ちないでシルエットを確保することを意識したのか?は興味がありました。彼女に「プロダクトデザイナーのファッションデザインはダサいよね」と言ったら、「そう、そう!」とニコニコしながら返事。いろいろと聞いていったのですが、一枚のテキスタイルだから自由なシルエットが作れるわけではない、その壁を超えるにモジュールというシステムアイデアに至ったのですね。一枚のテキスタイルという素材から手をつけていく。最近、素材の存在感を出すため(あるいはリサイクル目的)にファッション化する試みを色々とみますが、このモジュールはそういうところからの発想ではない。そこにフェヌータさんの頭の働きには何か面白いものがあるのではないか、と感じました。

ランブラーテで展示をしていた日本のTAKT Project の作品も、メンバーの頭の働きに「これは何かありそうだ」と思わせるものがありました。彼らも既に評価を受けている人たちの部類に入るのでしょうが、その彼らが「何か分からないけど、こんなのどう?」とカジュアルに見せているのは良いです。アクリルの立体の中に電子部品が入っていて、アクリルの中が光ります。スマホのアプリで明かりを調整もできます。ぼくが面白いなと思ったのは、多くの人は、まずその美しさに目を奪われ、それが何であるかは分からずともただじっと見入るのです。アクリルの中に物理的なモノを入れ込むのは、それこそ倉又史郎の椅子もそうだし、ぼくの友人のアーティストである廣瀬智央さんの作品にもあります。ある世界観を瞬間的に閉じ込めた感があってかなりドキッとします。

「アート作品とみられてもいいのですが、新しい家電の可能性を示すかもしれないとぼくたちは考えているんですよ」とTAKT project の本多敦さんが説明してくれます。なるほど、なるほど。この人たちは、これを単なる一つの電気製品のデザインのバリエーションとしてとも考えていないのだろうなと、ぼくは想像します。一バリエーションなどというのは「志の低い」言葉であり、もっと空間やインターフェースそのものにイノベーションをおこすヒントにならないかと考えているのでしょうね。でも、そういうことはあまり言わないで、小さいオブジェで語りかけるわけですね。それがいい。

まったくの印象なので当たっているかどうかまったく分からないのですが、かなり前からサテリテをみていても、メカニカルやエレクトロニクスの要素のあるアイデア勝負の作品って日本の若い人に多いような気がしています。先週、石巻工房の(2008年ころにはサテリテに出展していた)芦沢啓治さんと話していた時、「スカンジナビアの若い人は家具のつくり方とかうまく、パッと見てスカンジナビアって分かりますよね。それに対して、イタリアの若い人の作品はイタリアとは分からない。日本の人の場合は不足感みたいので、日本の人と感じますね」と語っていました。この日本の人の不足感というのは、サイズだったり、色だったり、コンテクストとの相性の不足だったりという点でぼくも思うのですが、一方で何かゴソゴソと電子部品なんかも使いながら作り上げてきたのは日本の人、という感じがするわけです。これは良い意味で。

それも当たり前のようにデザインを意識している。印刷回路の作品を出していたAgICの杉本雅明さんも「ぼくたちの世代ではデザインを考えるのはもう前提っていう感じがあって、シリコンバレーなどと違うところで勝っていくには、文化の多様性に対応できることだと思うのですね」と話しています。これはローカリゼーションマップをやっているぼくにとっても嬉しいコメントです。日本の大企業の展示を見ていると、相変わらず大がかりで硬いだけがとりえで、カジュアルな新しいコンセプトに縁遠いことが多いのですが(どうしてもスーツの内ポケットから出してくる感じがあるんだあ)、中小企業、ベンチャー企業、個人の展示には新しい息吹を感じるものも少なくないです。実際の世の中の変化は、こういうところから起こってくるでしょう。きっと3-5年もすれば、ミラノデザインウィークの風景もガラリと変わっていくはずです。本多さんや杉本さんのような作品がもっと主流として見られるようなカタチになっていると思います。

下の写真2つは、©TAKT PROJECT

Category: ミラノサローネ2016 | Author 安西 洋之  | 
Date:16/4/18

日本の漫画が教科書的説明の補助に使われたりしても、「漫画みたい」という表現はあくまでも「バカみたい」という意味であるケースが殆どでした。平面的な描写が浮世絵的であるという流れで歴史文化背景を説明したとしても、「漫画は知的表現である」と言われるのは、あまりないことでしょう。あくまでも「空想的」「非現実的」が漫画的という言葉の指す中身だっと思います。繰り返しますが、コンテンツとしての知的レベルの高い面白さがあったとしても、漫画が比喩するモノはそういうことだったのです(という理解は的がはずれているのかな?)。だからnendoが漫画の椅子を50脚を展示すると聞いたとき、一瞬、クールジャパンの何かを始めたのかと思ったくらいで、その展覧会をみるまでどういうことを意図しているのかよく分かりませんでした。

会場でモノをみて合点がいきました。これはほんとうに漫画と呼ぶしか言いようがない椅子が並んでいるのです。脚が歩いているようだったり、マンガのセリフの吹きだしそのもののカタチが椅子についていたり。それこそ、一つ一つはバカみたいです。実に何ともない。だからこそローカル言語であった漫画がいつの間にかユニバーサル性を獲得しはじめている状況をうまく逆手にとった発想に、ぼくは感心しました。これは状況説明の展示だと。

「無用の用」の極みとのカタチの数々をみながら、数日前にみたコルソ・コモ10で開催されているGufram の展覧会を思い出しました。グフラムは家具に初めてポリウレタンを採用したメーカーで、ここでは50年の歴史を振り返っています。60年代のラジカルデザインの作品の数々は、それまでの機能をアシストするデザインに反旗をひるがえし、「これ、どうやって使うの?」というものを世に問うていました。

ここでぼく自身のことを振り返ると、トリノでぼくが活動をはじめた当初に知りあった建築家が、唇をイメージしたソファ BoccaをデザインしたStudio65のメンバーでした。そしてこの建築家に紹介された家具メーカー(ぼくが初めて訪問したイタリアの家具メーカー)がグフラムだったのです。90年代前半です。「日本市場に関心がある」と、よくある打診です。が、その頃、ポストモダンもビジネスになりにくいと言われているだけでなく、バブル経済が崩壊して「こういうのもあっていいんじゃない」というデザインには距離感をもっていた時代なので、ぼくはかなり怯みました。「う~ん、これらを商売とするのは成功率が低そうだ」と唸りました。一応は日本でも反応はみたのですが、案の定の否定的な返事しかありません。ぼくが日本のデザイン雑誌などでGuframの家具を一品ものとしてースタイリストが作る空間の小道具としてー見かけるようになったのは今世紀に入ってからです。要するに、バカにするには楽しい。が、これ一つを買うには、これをアンチとする大きなコンテクストの用意がないと面白がれるものでもない。

一方、90年代、日本のアニメや漫画が欧州で人気があると一部で「囁かれて」いましたが、パブリックな情報というよりも、あくまでも知る人ぞ知る情報にとどまっていました。80年代にフランスのTV局がコンテンツ不足を補うために日本のアニメを使ったというのは、この10年くらい、後になって知ったことです。

いずれにせよ漫画は表現としてはローカル言語であり、日本の企業がビジネスシーンで漫画をコンテンツ以外に漫画の表現をまともに海外で使うこともあまりなかった(ルイヴィトンが村上隆のアートを採用したとしても)。ハロー・キティなどのキャラクターの浸透と漫画の浸透がどう絡み合ったか並行したのかわかりませんが、「バカみたい」な漫画表現がポストモダンの流れの中に実は「正々堂々」と入ってきているのではないか?という鳥瞰図を見せているのが、今回の展覧会の示唆するところかなとぼくは思いました。

ただそれだけといえば、ただそれだけ。でも、ただそれだけでも、ある一歩を見せてくれることもある。そういう心境です

 

 

Category: ミラノサローネ2016 | Author 安西 洋之  | 
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